아쉽게도 한국의 애니메이션 문화는 철저히 자본의 논리에 의해 유지되어 왔다.

1960년대 말 최초의 장편 애니메이션 <홍길동>이 제작되었을 때만 해도 분명 개인의 취향이 대중의 취향을 관통하며 훌륭한 결과를 만들어 냈지만 70년대에 이르며 이 모든 것은 문화로 이어지지 않았고 자본의 욕구에 충실히 따를 수밖에 없었다.

70년대 한국의 애니메이션 회사들은 하청 작업을 시작하며 외화벌이의 일등 공신이 되었고 국가적 차원에서의 지원이 뒤따랐다. 1967년엔 우수영화보장제도가 있었고 1972년 만화영화 용역 수출 개발에 대한 계획이 정부에서 빵빵 터져 나왔다.

우수영화보장제도의 예를 들자면 우수영화로 선정된 영화를 만든 영화사는 쿼터제 방식으로 헐리우드의 영화를 수입할 수 있는 권리를 부여 받았다.
당연히 흥행이 보장된 헐리우드의 영화를 수입하기 위해 영화사는 우수영화를 제작하여야 했다. 그리고 당시의 100% 우수 영화 선정이 보장된 작품들은 반공을 주제로 담은 애니메이션이었다.
예술가의 취향이나 창작욕구 같은 것은 거대 산업 논리 앞에서는 아무것도 아니었고 애니메이션 산업의 70~80년대는 그렇게 흘러갔다.

그러던 중 하청작업 중심으로 성장했던 기존의 애니메이션 산업 군과 선을 그으며 독립애니메이션을 표방하는 작가들이 1990년대 초반 나타났다.
독립애니메이션 1세대로 불리는 당시의 작가군들이 지금까지 꾸준히 활동을 해왔더라면 아마도 기존의 산업군들과 좋은 라이벌이 될 수도 있었겠지만 아쉽게도 그것은 현실이 되지 못했다.
1990년 중반 헐리우드 영화인 라이온 킹과 주라기 공원의 성공으로 다시 한 번 한국의 애니메이션 산업은 국가의 관심을 끌기 시작했다.
하지만 국가적인 관심은 문화 산업으로써의 애니메이션이 아닌 라이온 킹이 벌어들인 자본에 닿아있었다.

그리고 그런 자본에 대한 국가의 욕구에 의해 다시 한 번 애니메이션 진흥 정책이 시행되었다.

이 과정에서 기존의 하청업 중심의 산업군들은 무너져 내렸다. 그 과정은 링크를 통해.

또 그 과정에서 독립애니메이션 1세대들 역시 무너져 내렸다. 그 과정은 링크를 통해.

대한민국 국민의 삶의 질이 아직은 먹고 사는 데에서 자유롭긴 아직은 일렀던 것일까?
국가의 자본에 대한 욕구는 산업체의 욕구와 독립애니메이션 1세대의 욕구와 완벽하게 일치하였다. 그리고 애니메이션 산업은 자본의 자본에 의한 자본을 위한 산업으로 굳어져 버렸다.
그렇게 자본을 좋아해 시행된 계획이었다면 시원하게 자본이라도 벌었으면 좋았겠지만 알다시피 그 계획은 모두 물거품이었다.

그 원인은 바로 문화라고 하는 것의 특성 때문이다.
문화라고 하는 것은 맨 처음 지적했듯이 개개인의 욕구들이 모여서 만든 거대 집합체이다. 그 중 많은 이의 욕구가 주류문화가 된다.
대중을 획일화 된 취향으로 이끌기엔 애니메이션 산업이 거대하지 못했고. 자본에 의해 개개인의 취향들은 묵살되었다.

우리가 독립 애니메이션을 이야기 할 때 독립 애니메이션이란 무엇인가에 대한 의문이 생겼을 때 유일하게 근거로 삼을 수 있는 것은 그 작품이 자본의 욕구에 의해 기획되었는가 아니면 작가의 취향에 의해 기획되었는가를 따질 수밖에 없다.

자본을 좋아하는 산업이나 국가에서는 개인의 취향에 의해 기획되었다면 자본과는 영영 상관이 없는 무언가가 완성될까봐 호들갑을 떨지만 그 개인이 무인도에 혼자 사는 사람이 아니라면 그 개인의 취향과 대중의 취향이 맞닿을 부분이 분명 있는 것이다.

그리고 지금까지 자본의 욕구에 의한 작품들이 대중의 사랑은 받지 못했다면 이제는 대중의 취향을 알아보는 방식을 바꾸어 대중의 기본 단위인 개개인의 욕구, 즉 창작 주체들의 취향에 대해 더 관심을 가져야 할 시기가 온 것이다.

그렇기 때문에 한국 애니메이션 산업에서 독립애니메이션의 역할이 중요한 것이다.

하지만 우려가 되는 것은 독립애니메이션 내부의 문제이다.
독립애니메이션계가 이제는 어떤 것이 독립 애니메이션인지 그리고 앞으로 산업에서 독립애니메이션이 차지해야 할 역활이 무엇인지에 대한 연구와 논의가 병행되어야 한다. 하지만 그렇지 못했다.
자본이 산업을 지배하면서 대중의 취향을 읽는데 실패하였지만 놀랍게도 창작 당사자들의 욕구를 지배하는 데에는 성공해 버렸기 때문이다.
단편 제작 지원을 내는 창작자도 OSMU를 기반으로 기획한다는 슬픈 이야기는 우리도 모르는 사이에 독립애니메이션 창작 주체마저도 자본의 욕구에 완전히 먹혀버릴지도 모른다는 공포심을 가져다준다.
독립애니메이션 1세대의 몰락을 거울삼아 보았을 때 자본의 욕구에 저항할 수 있는 그 무엇도 존재하지 않는다면 더 이상 애니메이션 산업에는 희망이 없다.
그리고 그곳에는 실제 자본은 존재하지 않는다. 다만 <자본을 갖고 싶다>는 욕구가 만든 유령만 남아있을 뿐이다.

독립애니메이션 내부에서 무엇이 독립 애니메이션인가? 또 앞으로 독립애니메이션은 산업에서 어떤 역할과 지위를 가져야 하는가에 대한 논의가 활발하게 이루어져야 한다.

개인의 취향이 대중의 취향에 부합할 때 그것은 문화 산업이 된다.

산업의 욕구가 개인의 취향을 지배할 때 문화는 사라진다.

------------------------------------------------------------------------
독립애니메이션은 무엇인가? 란 질문을 들었을 때 잘 모르겠다. 란 말 이외에는 나오지 않았서 나 개인의 생각이라도 정리해 볼 심산으로 말끔히 정리를 해보려고 했는데 정리가 되질 않는다.
나중에 시간이 나면 다시 한번 정리에 도전을 해 볼 생각이다.
그나저나 이제는 진짜 한번 의논을 해보아야 할 문제라고 생각하는데 같이 한번 의논 해보실 분들~

교수유감이라는 글에서 밝혔듯이 대학들은 90년대 국가적 애니메이션 장려 정책에 의해 기아급수 적으로 생겨난 애니메이션과에 교수들을 맞춰 넣는 일 때문에 골치가 아팠다.

당시 한국 애니메이션의 경력있는 기획자, 감독 중에서 4년제 대학을 나와서 학사학위를 가진 사람을 찾기 힘들었기 때문이다. 그 시절에 원화 감독 기획자들은 실무에서 오랜 시간 동안 하청 동화 작업부터 착실히 경력을 쌓아가며 감독이 되거나 기획자가 된 사람들이었다. 그리고 그들은 대부분 고등학교 졸업 학력자들이었다.

이들에게서 우주의 원더키디 같은 명작 애니메이션의 기획이 나온 것이었다.

하지만 학력을 중시하는 한국 사회에서 소위 대학물도 못 먹은 사람에게 대학생을 가르치라고 하는 건 상상도 할 수 없는 일이었다.

그래서 대학들은 교수를 할 수 있는 사람들을 찾았다.

애니메이션에 발만 담가본 적이 있는 화가, 컴퓨터 프로그래머, 영상 예술가들이 대상이 되었다.

지금도 이 과정에서 영 아쉬운 것은 이른바 독립애니메이션 1세대로 불리는 집단이었다.

하청작업에서 발전해 온 한국 애니메이션 산업 쪽과는 선을 그으며 창작 혹은 예술로써의 애니메이션을 지향하며 작품을 생산해오던 독립애니메이션 1세대들은 대부분 명문대 출신의 엘리트였다. 그들은 야심차게 한국 애니메이션에게 새로운 경향을 제시하고자 했고 아마 이들이 지속적으로 활동 했더라면 아마도 하청 기반의 애니메이션 산업군과 좋은 라이벌 관계가 되었을 지도 모르겠다.

하지만 국가의 애니메이션 팽창 정책의 일환인 애니메이션 학과의 개설속에서 독립애니메이션 1세대는 교수로 삼기 아주 좋은 인력군이었다.

지금 생각해 보면 얼마나 달콤한 유혹이었을까 싶다. 호기 좋게 애니메이션계에 뛰어들었지만 그 일이 직업이 되기 위해선 너무나 험난한 길이었다. 아마도 지금 꼭 내 나이 때의 배고프고 인정받지 못하는 젊은 예술가들에게 교수라는 직업이 얼마나 달콤한 유혹이었겠는가.

독립애니메이션 감독이라는 직업이 별난 직업으로 소개되고 남들에 인정받지 못하던 그 시절, 이제 내일 하루아침이면 교수님 소리를 주변사람들이 부를 판이었다.

이게 어찌 독립애니메이션 1세대에 국한 된 일이었겠는가.  제의를 받는 수많은 아직 정체성을 찾지 못한 예술가와 IT종사자들에게 교수라는 직업은 얼마나 달콤한 유혹이었겠는가.

그리고 그들의 대부분은 사회적 안정과 물질적 안정을 택했다. (너무도 당연한 일이지만)

이런 점을 보면 현재 애니메이션 대학의 문제점은 어쩌면 너무나 당연한 일이다.

그 교육의 중심 구성원들의 욕구가 이미 처음부터 예술과 물질적 안정 사이에서 결정된 결과였으니 10여년이 지난 지금 그 판이 이제는 물질적 욕구와 세력싸움만이 남은 천박한 판이 되었다는 것은 너무나 당연한 일인 것이다.

그리고 그 결과는 고스라니 학생의 몫으로 돌아가고 있다.

학생의 졸업 후 취업률을 높이는 것이 학교와 교수의 능력으로 인정받는 판에서 학생들은 소모품과 같은 존재로 야근만 밥 먹듯 하고 5년이 지나기도 전에 회사에서 떨어져 나와야 하는 회사들로 총알 소모 되듯 소모되고 있다.

그들이 30살이 넘어 자신보다 더 싼 임금의 20대에게 떠밀리듯 회사에서 퇴사했을 때 학교의 취업정책을 나무라기엔 너무 늦은 상태가 되어 버린다.

현재의 대학의 교수에게는 학생의 10년을 책임지기보다 당장 내년에 있을 교수평가가 더 중요한 일이다.

학생들은 산업에서 배울 수 없는 그 다른 무엇을 배워가야 할 대학에서 물질적 안정을 택해 그것만을 위해 살고 있는 교수들에 의해 소모품처럼 산업으로 밀려들어갈 수밖에 없는 현실인 것이다.

한국의 애니메이션과 교수들에게 부탁한다. 10년 전 당신들이 선택한 선택에 대해 뭐라고 말 할 생각은 눈곱만큼도 없다. 아마도 지금의 나에게 똑같은 유혹이 온다고 해도 그것을 쉽사리 떨쳐내지 못할 것이다. 하지만 10여년이 지난 지금 그때보다 더 커진 욕구를 위해 학생들을 희생시키지 말길 바란다. 학생들이 자신의 10년 후를 설계할수있는 교육을 해주길 바란다. 그것이 이루어지지 않는다면 애니메이션 판은 사라지고 10여 년 전 당신들이 선택한 안정적 삶 역시 앞으로 10여년 밖에 남지 않을 것이기 때문이다.

낮에는 지옥 작업을 하고 밤에는 알바를 했다. 보통 열심히 하면 한달에 한편을 만들 수 있다고 해서 입에 거품을 물고 작업했다. 그렇게 몇달이 흘렀고 지옥은 완성이 되었다. 완성이 되었다고 당장 뭐 돈이 우수수 떨이지는 것도 아니어서 지옥이 DVD 발매를 될 때까지는 알바에 매진 할수 있었다.
이미 1인 제작이라는 걸 수 년동안이나 해와서 손도 빨랐고 매일 하루 종일 작업할 수 있다 보니까 확실히 남들보다 일을 많이 할 수 있었다. 한달에 한편은 기본이고 평균 두편을 작업하기도 했고 많이 할때는 세편을 할때도 있었으니 아무래도 수입이 급상승 할수 밖에..그렇게 알바를 하다 보니까 의문이 들었다 내가 하는 일의 원 제작비는 얼마일까. 알아보니 시나리오를 제외한 영상을 만드는데 방송국에서 나오는 제작비는 450만원 정도라고 했다. (지금은 어떤지 모르겠다..)
 문제는 내가 방송국에서 직접 일을 받는게 아니라는 것이었다. 중간에 실장이라는 개인 업체가 일을 받아 다시 나한테 일을 주는 형식이었다. 내가 받았던 돈이 180만원이니까 실장은 내가 작업한 걸 방송국에 건네주고 새 시나리오를 받아오는 일을 하면서 편당 270만원을 가지는 것이었다.
그 얘기를 듣고도 사실 별 불만은 없었다. 단순하게 내가 하는 일에 비해 돈을 적게 주는 건 아니라고 생각했기 때문이다.
문제는 그 알바를 시작한지 반년 정도 지났을 때 생기기 시작했다. 실장 형이 사무실을 낸다는 것이었다. 그래서 그 전까지 재택 근무를 하던 알바들을 사무실에 출근해서 일을 하라는 것이었다.
방송국에서 일을 받아오는 실장은 한명이 아니라 여러명이었는데 각기 떨어져 있던 실장들이 모여서 하나의 사무실을 쓰는 방식이 모 제작 지원 제도에서 지원을 받아 사무실을 얻게 되었다는 것이었다.
나는 기뻤다. 분명 그 동안 꽤나 많은 이익을 봤을 실장들이 모여 하나의 사무실을 만든다니 꽤나 안정적인 애니메이션 회사가 될것 같았기 때문이다. 자금이 안정적이면 창작 애니메이션을 기획하기에도 더 편할 것이다. 그렇게 생각했었다. 게다가 집에서 작업하는 것 보다 출퇴근을 하며 작업하면 일도 더 많이 하고 생활 패턴도 안정될꺼라고 생각했다.
여튼 부푼 꿈을 가지고 사무실에 입주했고 다른 실장들과 다른 실장 밑에서 일하는 알바들과도 친해질 수 있었다. 실장들을 하나로 묶는 건 방송국에서 일하다 이제 이 사무실을 관리하는 책임을 지는 또 다른 실장이 맡았다.
근데 새로 나타난 또 다른 실장은 알바를 쓰지 않고 월급제 직원을 뽑기 시작했다. 사실 다른 알바들은 편당 일한 만큼 받는 시스템인지라 출퇴근도 자유로웠고 개인적인 일이 있으면 사무실에 안나오기도 했다. 근데 월급제 직원을 뽑으니까 아침 9시면 출근해서 밤 10시 정도 까지 묵묵히 일만 하는 분위기 였다. 월급제 직원은 이제 갓 애니메이션 과를 졸업한 사람들이거나 휴학중인 학생들이었다.
그 월급제 직원들은 아무래도 경험이 부족하다 보니 작업 속도는 느렸지만 그래도 월요일 부터 토요일 까지 밤 늦게 까지 일하기 때문에 한달에 한편은 끝낼수 있었다. 그래서 사무실에는 편당 돈을 받는 알바들과 직원들이 같이 일하게 되었다.

그런데 이때부터 이상한 일이 생기기 시작했다.
예를 들자면 한번은 실장들이 회식이라며 저녁을 같이 먹자고 했고 어딜 갈까 실장들 끼리 얘기하는데 한 실장이 좀 비싼 데에 가서 먹자고 하자 실장들을 관리하는 실장이 이렇게 말했다.
<김실장 자꾸 비싼데 가자고 하지마 애들 버릇 나빠져!>
알바들은 대부분 30대를 넘긴 사람들이었다. 그 이야기에 기분이 확 나빠졌지만 어디 돈 벌기가 쉬운가 그냥 참아내자 라고 생각했다.

알바들은 대부분 나와 같은 처지여서 자기 개인 작업을 하거나 뭔가 준비하는 일이 있는데 당장 돈이 필요해서 하는 사람들이었다. 아무래도 일주일이라고 하면 3일 정도는 사무실에 나오고 나머지는 개인적인 일을 하는데 사용했다.
나야 지옥 작업도 끝난데다가 딱히 DVD가 발매될때 까지는 할일이 없어 매일 사무실에 나왔다. 그래서 직원제로 일하는 친구들하고도 얘기 할 기회도 많아졌다.
그러다 조심스럽게 직원제로 일하는 친구들에게 물었다. 한달에 얼마 정도 월급을 받냐고..
그러자 90만원을 받는다고 했다.
 깜짝 놀랐다.
계약서도 쓴게 없어서 계약직도 아니었다. 당연히 보험 이런건 있지도 않았다.
내가 너무 적게 받는게 아니냐고 했더니 요즘 같이 취업이 안되는데에 이것만으로 감사해야 할 일이 라고 했다. 내가 방송국에서 편당 나오는 돈이 얼만줄 아냐고 했더니 모른다고 하기에 말해주었다.
그러자 그 정도는 감수하고 일을 한다고 말하는 것이었다. 그리고 작업은 원래 이렇게 빡세게 해야 한느거 아니냐고 했다. 젊어서 고생은 사서도 한다는데..
뭐라 한마디 더 하려 했지만 참았다. 내가 처음 일을 시작할 때 생각했던 생각과 별반 다를바가 없기 때문이다.

그렇게 시간이 흘러갔다. 그리고 사무실에는 이상한 기운이 감돌았다. 알바로 일을 하던 사람들이 하나 둘 일을 그만두기 시작했다. 그리고 직원제의 직원들이 늘어갔다.
아무래도 편당 180을 받는 알바들 보다 90만원을 받는 직원들을 이용하는 게 휠씬 남는 일이기 때문이었겠지...그렇게 알바들이 하나 둘 관둘 때도 나는 묵묵히 일만 했다. 나를 이 알바에 소개시켜 준 형도 일을 관둔다고 했다. 나는 왜 관두냐고 물었더니 실장이 다음 할 시나리오를 자신에게 주지 않는 다는 것이었다.
그런 상황을 보면서도 나는 계속 일을 했다. 실장은 나에게는 일을 계속 주었다. 아마 이유는 내가 한달에 하는 편수가 다른 사람들 보다 많았기 때문이다. 일을 많이 하는 일꾼이 있다는 건 자신들이 챙기는 돈도 더 많아지기 때문일 것이다.
그러다 보니 그 사무실에는 알바라곤 나 밖에 안 남게 되었다.
직원으로 일하는 사람들은 거의 여자들에 20대 초반이었다. 남자는 몇 되지 않았고 남자들도 20대 중반 정도였다.
한 실장은 직원들중 군대를 제대한 한 남자 직원에게 팀장이라는 직함을 주었고 다른 직원들을 관리하라고 했다. 그 남자 직원은 토요일 밤 까지 근무하며 다른 직원들이 스케줄을 맞출수 있도록 하는 역활과 자기 자신도 일을 했다. 희한하게도 팀장을 맡은 그 친구는 점점 바뀌기 시작했다. 사실 실장에게 철저히 이용당하면서도 실장들이 하는 농담에 끼어 같이 놀았다. 실장들에게 면박을 당하는 역활이었음에도 그 사이에 끼어었다는 걸 여간 자랑스럽게 여기는 것이었다. 그리고 다른 여자 직원에게 불쾌한 농담을 던지고 그것을 굉장히 재미있게 여기고 있었다.
그러던 어느 날 스크린 퀴터 축소 문제가 한참 불궈지고 있던 어느 날 실장중 한명이 멀티플렉스와 블럭 버스터들이 독과점 하고 있는 것이 진짜 큰 문제라고 했다. 나는 그 실장에게 여기 이 사무실이 돌아가는 모양이 그 보다 심하면 심했지 덜하진 않다고 말했다.
그때부터 영 일을 하는 것이 어색해 지기 시작했다. 무언가 말이 목구멍에 걸려 나오려 하는데 억지러 참고 있었다. 결국 어느날 나는 실장에게 말했다. 직원제로 일하는 직원들 월급이 너무 적다. 이것은 착취다.
그러자 그 실장은 내게 <너는 세상을 너무 몰라.> 라고 말했다. 
그리고 내가 맡은 편을 끝내고 다음 시나리오를 달라고 하자 아직 시나리오가 안왔다고 했다. 시나리오를 방송국에서 받는 웹하드엔 새로운 시나리오가 가득했지만 내게 시나리오가 오지 않았다. 사무실에 나가서 멍하니 인터넷만 하다 오는 날이 반복됬다.
아..다른 관둔 알바도 이런 기분이었겠구나...나는 일을 그만두었다. ( 벌써 4년 전이니 그 후 그 사무실이 어떤 형식으로 운영되는 지는 알지 못한다.그 프로그램의 제목은 밝히지 않는 건 지금은 합리적인 시스템으로 돌아가고 있을지도 모르는 일이니까..)  

다행히도 일을 관둔지 2주 후 사랑은 단백질이 제작지원을 받았다.
같은 애니메이션 판이다 보니까 그 실장은 아직도 가끔 지나가다 본다. 인사하진 않지만...
그리고 그 프로그램의 피디는 제작지원제도의 심사위원으로 가끔 본다.
 나는 그 피디가 심사위원인 제작지원 제도에 지원을 받은 적이 없다. 연관이 있다는 건 아니다. 그냥 그렇다고.. 물론 인사를 주고 받을 사이는 아니다.

연상호 애니메이션 감독의

<시장의 다양성이 소자본 콘텐츠를 활성화 시킨다>에 대한 토론문

토론자 김준양

<Animation: An Interdisciplinary Journal>(Sage Publications) 부편집장(아시아 지역 담당). Japan Society of Animation Studies 국제교류이사. 인디애니페스트 프로그래머. 시네마디지털서울 영화제 프로그램코디네이터. 중앙대학교 첨단영상대학원, 한국예술종합학교 영상원, 한국영화아카데미 출강.

1990년대 중반 이래로 애니메이션을 둘러싼 정부의 문화산업 정책 및 이에 대한 한국사회의 반응양식에 관한 연상호 감독님의 문제 지적과 대안 제시 잘 들었습니다. 특히 할리우드에서 생산된 애니메이션 및 라이브액션 영화의 상업적 성공에 있어서 이미 확립되어 있던 그것의 글로벌한 배급망이라는 결정적 요소, 그리고 내수 시장, 즉 한국 관객의 문화적 욕구에 대한 분석 작업 등이 오랫동안 무시되어 왔다는 지적 등 많은 부분에 공감을 표합니다.

먼저 할리우드의 글로벌한 배급망과 관련하여, 1990년대초 한국사회에서 애니메이션영화가 상업적 가치를 지니고 있음을 보여줌으로써 국산 애니메이션 제작의 새로운 촉매가 된 디즈니의 <인어공주>를 떠올릴 필요가 있다고 생각됩니다. <인어공주>는 1989년 11월 17일에 자국 시장인 미국 국내에서 개봉되었으며 그로부터 약 1년이 지나고서, 즉 작품의 흥행이 확인되고 나서야 한국 시장에 개봉되었습니다. <인어공주> 직전까지의 1980년대 디즈니 장편은 당시 한국에서 개봉된 적이 없었으며, 사실상 디즈니조차도 <인어공주>를 발표하기 전까지 미국 국내에서 약 20년 동안 이렇다 할 흥행을 성취하지는 못했었습니다. <인어공주>를 비롯해 <미녀와 야수> 등 디즈니의 잇따른 흥행에 자극받아 1995년경에 이른바 국산 장편 애니메이션인 <홍길동95>, <헝그리베스트5>, <아마겟돈> 3편이 연달아 발표되었습니다. 그러나 당시 제작사측이 극장측에 금전적 대가를 미리 지불하고서야 개봉이 가능했다고 말해질 만큼 생산자와 수용자가 만날 수 있는 기회가 애니메이션에서는 극히 제한적이었습니다. 외국으로부터의 수입 작품과 달리 흥행 결과가 미리 확인되지 않은 한국 애니메이션이 한국의 영화 시장에서 최소한의 가능성을 기대받을 수 있기 위해서는 그만큼 많은 경험치가 필요하며, 따라서 소자본 혹은 저예산 정책에 의해 다수의 장편 애니메이션 제작이 장기적인 관점에서 그런 과제의 어떤 해결책일 수 있다는 데에 원칙적으로는 이의가 없습니다만, 몇 가지 질문이 떠오릅니다.

첫째, 정부 지원 정책들이 내수 시장의 분석에 무관심했다는 지적과 함께 제가 제기하고 싶은 부분은, 애니메이션의 주된 소비자 그룹으로서 그마나 종래에 존재했던 어린이 관객 혹은 어린이를 중심으로 구성되는 가족 관객을 무시하는 담론이 애니메이션의 생산자측과 수용자측에 모두 출현함으로써 기존의 내수 시장을 부정했던 인상이 있습니다. 애니메이션의 상업적 성공에서 흔히 언급되는 디즈니 혹은 미야자키 하야오가 기본적으로 어린이와 가족 관객을 초점에 두면서 성인 관객도 즐길 수 있는 작품을 제작했다고 볼 때, “애니메이션은 아이들만 보는 것이 아니다”라는 담론이 ‘아동과 가족 관객을 무시해도 된다’는 식의 담론으로 전용되어 내수 시장의 발전에 결코 생산적인 결과를 초래하였다고 보이지 않습니다. 물론 어린이와 가족 관객을 대상으로 하는 한국 장편 애니메이션이 그 동안 없었던 것은 아니었습니다만, ‘가족 애니메이션’을 표방한 <오세암>처럼 프랑스의 안시 애니메이션영화제에서 그랑프리를 수상한 작품조차도 상업적으로 큰 실패를 피할 수 없었습니다. 애니메이션의 내수 시장 발전에 있어서 어린이 관객을 어떻게 새롭게 이해할 수 있을지 감독님의 견해가 궁금합니다.

둘째, 감독님께서는 다양성 있는 내수 시장의 성장에 있어 저예산 장편 애니메이션 제작의 활성화를 대안으로서 제시하셨습니다. 또한 작화, 편집, 연출, 시나리오 등을 혼자서 할 수 있는 전천후 작업자들의 증가에 의해 어느 정도의 기술적 미숙련에도 불구하고 ‘상업 애니메이션에 가까운 기술’을 아주 소규모의 스튜디오가 구사할 수 있게 되었다는 점이 저예산 장편 애니메이션의 실질적인 제작 근거로서 주어졌습니다. 확실히 이는 현재 한국의 단편 애니메이션 영역에서는 이미 성취되고 있는 측면입니다. 다만, 감독님께서 예로서 제시하신 6억 규모 예산의 장편 프로젝트가 과연 거대 예산으로 제작된 디즈니, 스튜디오지브리, 매드하우스의 장편 애니메이션에 오랫동안 노출되어 온 한국 관객의 기대 수준을 충족시킬 수 있을지는 의문으로 남지 않을 수가 없습니다. 사실 미국과 일본의 그와 같은 스튜디오들에서 만들어 온 스타일의 상업 애니메이션을 제작하려는 시도는 이미 예산과 무관하게 국내에서 오랫동안 이루어져 온 바 있습니다. 그런데 감독님께서는 더 적은 예산과 소규모의 스튜디오로도 ‘상업 애니메이션에 가까운 기술’을 만들 수 있다고 주장하고 계십니다. 그 주장의 근거가 무엇인지 좀 더 구체적인 견해를 부탁드립니다.

더불어 저예산과 소규모 스튜디오, 그리고 디지털 환경에서 추구할 수 있는 상업 애니메이션의 양식이, 아날로그 기술 시대에 거대예산과 피라미드식의 하청 시스템으로 형성되어 온 상업 애니메이션의 그것과 여전히 동일해야 하는지, 그리고 동일할 수 있을지도 의문으로 떠오릅니다. 아날로그 시대의 저예산 장편 애니메이션 사례로서는 미국의 빌 플림턴 감독에 의한 <나는 이상한 사람과 결혼했다> 등을 들 수 있겠습니다만, 감독님께서 디지털 시대의 저예산 소규모 스튜디오 시스템에서 바람직하다고 전망하시는 장편 애니메이션의 양식이 있다면 어떤 것일지 궁금합니다.

셋째, 애니메이션 기술자 부분에 관하여 일찍이 한 국내 일간지는 1981년 1월 13일 ‘불황 속의 호황 만화영화 수출’이라는 제하의 기사에서, ‘해외 하청 방식의 애니메이션 수출업 발전을 위해 1, 2년의 해외 연수로 서양인의 감정과 표현 등에 익숙해질 필요가 있다’는 어느 업계 관계자의 진술을 긍정적인 어조로 보도한 바 있습니다. 즉 지난 수십 년간 한국의 애니메이션 제작 현장의 손들이 해외 관객의 감정과 표현을 위해 훈육되어 왔다고 할 수 있을 것입니다. 지난 수년간 해외 하청 대신 국내 창작 애니메이션이 제창되어 왔지만, 현재 대학에 개설된 애니메이션 전공 교육은 그러한 하청 현장 기술의 방침과 얼마나 다른지, 이를테면 기술적으로 한국 관객의 감정과 표현을 얼마나 중시하는 교육인지 궁금합니다.

넷째, 건강한 내수 시장의 발전을 위해 애니메이션 기술자의 처우 개선이 지적되었습니다. 국내 기획 혹은 창작 애니메이션의 생산 현장에서 애니메이션 기술자의 노동 착취가 과거의 하청 현장에 못지않은 듯한 우려와 의혹이 있습니다만, 그들의 처우 개선 문제를 구체적으로 이해하는 데 도움이 될 만한 최근 상황을 소개해 주시면 감사하겠습니다.

시장의 다양성이 소자본 콘텐츠를 활성화 시킨다.

                                     -연상호 애니메이션 감독.

 

1. 머리말

 
 1996년 이전까지는 만화와 애니메이션은 골칫덩이였다.
 어린이날이 되면 광화문에서 <만화 화형식>이 열리고 엄마들은 <우리아이가 공부는 안하고 만화만 봐요>하며 상담을 청해오고 <감명 깊게 읽은 책이 뭐냐?>라고 누가 물을 때 만화책 제목을 대면 비웃음을 당했다.
 한국 최초의 장편 애니메이션의 필름은 밀짚모자의 테두리 장식으로 모두 없어져 일본에서 나 필름을 찾아오고 주옥같은 만화들의 원고들은 뻔데기 장수들에게 뻔데기 포장지로 근당 얼마로 팔려갔다.
그러던 만화, 애니메이션이 하루아침에 나라에서 애지중지 하는 문화가 되었다.

1996년 1월 정부는 <만화산업육성발전방안> 발표한다.

3년 후 서울특별시는 국내 만화, 애니메이션을 육성하기 위해 <서울 애니메이션 센터>를 세운다. 뒤이어 <문화 콘텐츠 진흥원>도 문을 연다.

어린이날이 되면 화형 당할까봐 조마조마 했던 만화와 애니메이션이 1996년 하루아침에 대접이 바뀐 것이다.
 
왤까? 문화예술로서의 만화와 애니메이션의 가치를 1996년, 드디어 인정하기 시작했던 걸까? 만화와 애니메이션이 미래에 우리의 가치를 표현할 중요한 예술 장르라는 걸 깨달은 걸까?

아쉽지만 아니다.

1993년 <쥬라기 공원>이 개봉을 했고 1994년엔 <라이온 킹>이 개봉했다. 뉴스에서는 일제히 영화 한편의 해외 흥행 수익이 자동차 수출 몇 만대에 버금간다는 소리를 높였다.

집에서 골치만 섞이던 주워 온 자식이 알고 보니 부잣집 씨였다는 이야기를 들은 것처럼 정부는 놀랐다. 하루아침에 대접이 달라졌다. 이놈하나 잘 키우면 큰 몫 한번 챙길지도 모르겠다는 생각에 입에서는 군침이 돌고 머릿속에선 벌써 셈이 한참이다.

1996년 발표된 정부의 <만화산업육성방안>은 그렇게 만화 애니메이션이 <돈이 된단다.> 한마디에 숨 가쁘게 움직이기 시작했다.

그렇게 10여년이 지났다.

지금의 정부의 만화, 애니메이션 지원 정책은 10년 전  <돈이 된단다.> 에서 <돈이 되야 돼!!>로 바뀌었을 뿐 하나의 문화예술로서 차분하게 접근하기엔 무리인 상황이다.

돈이 되길 바라며 펼쳤던 <만화산업육성방안>을 돈을 벌었을까?

돈을 벌길 바라며 시작했으면 돈이라도 시원하게 벌었어야 할 텐데 여전히 애니메이션 종사자들의 입에선 한숨이 나오고 애니메이션 학과를 나온 학생들은 작품을 기획하기 보단 <교수가 되는 것이 유일한 살 길이야!> 라고 외친다.

그 10년간 우리는 무엇을 얻었고 무엇을 잃었을까? 그리고 어떻게 해야 우리는 잃기 보단 얻는 문화산업을 가질 것인가.

2. 한국의 제작 시스템과 재화의 한계

 

 1996년 정부의 <만화산업육성발전방안> 이전의 한국의 애니메이션 시장은 과연 어떠했을까?

 80년대부터 90년대 초 중반 까지는 만화 잡시 시장은 황금기였다. 
 만화 화형식을 할망정 대중들은 만화에 열광하고 있었다. 그리고 90년대 중반엔 만화 단행본 시장이 싹트고 있었다. 물론 만화 대여점이 만화책의 판매량을 저해하고 있었지만 어쨌든 대중들은 만화를 즐겨보았다. <만화산업육성발전방안> 이후도 만화대여점 문제는 해결되지 않았다. 그건 지금도 마찬가지이다.

그렇게 인기를 끌던 만화 원작을 바탕으로 자연스럽게 애니메이션도 제작되기 시작했다.
 국민 MC 유재석의 개인기가 된 둘리 춤을 유행시킨 <아기공룡둘리>, 전 국민적인 인기를 끈 사오정 시리즈로 활용되었던 <날아라 슈퍼보드>의 사오정. 성대모사 하면 빠지지 않는 저팔계. 역대 한국 애니메이션 최고인 시청률 50%의 기록을 보유하고 있는 <머털도사>가 있었다.

이렇게 90년대 중반까지 한국의 애니메이션은 나름의 시장과 문화를 만들어 가고 있었다.

문제는 정부의 <만화산업육성발전방안>은 기존에 우리가 쌓아가고 있던 애니메이션 시장과 문화를 전혀 고려하지 않은 채 계획되고 있었다는 점이다.

미국의 <쥬라기 공원>과 <라이온 킹>에 자극을 받아 생긴 지원정책들이어서 인지 우리의 애니메이션 지원 정책은 미국식에 따랐다. 정확하게 이야기 하면 미국식이 아닌 미국 블록버스터 제작 방식이었다.
 
그런 분위기 속에서 3D 애니메이션, 오리지널 창작 애니메이션 기획들이 정부에서 쏟아져 나오는 눈먼 돈을 차지하기 위해 급하게 기획되었다. 기존에 한국의 주류 애니메이션 시장으로 성장하기 위해 천천히 쌓아오던 한국의 애니메이션 문화들은 철저히 외면당한 채 자동차 몇 만대 이상의 수익을 얻기 위해 기획된 애니메이션들이 나왔다.

자동차 몇 만대는커녕 몇 대의 수익도 못 거두었다.

그리고 이 모든 책임은 한국 애니메이션의 부족한 스토리 탓으로 돌아갔다.

정말 한국 애니메이션이 자동차 몇 만대의 수익을 못 거둔 것은 부족한 스토리 때문이었을까?

물론 부족한 스토리도 문제 중 하나일 것이다. 하지만 정책이라는 것을 기획하는 기획자들이라면 먼저 산업의 시스템을 점검해야 한다.

정부의 시각대로 한번 애니메이션을 산업이라는 이름으로 점검해보자.

<쥬라기 공원>과 <라이온 킹>의 성공은 어디에서 시작되었을까? 하루아침에 자동차 몇 십 만대에 버금가는 수익을 얻는 콘텐츠를 만들어 낸 것일까?

먼저 위의 두 작품을 배급했던 배급사는 세계적인 규모의 배급사이다. 시장 논리에 조금이라도 셈이 있는 사람이라면 물건을 잘 만드는 것도 중요하지만 그것을 유통시킬 수 있는 유통망의 확보가 상업적 성공의 중요한 요인임을 너무도 잘 알 것이다. 세계적 시장 경쟁의 상황으로 보았을 때 유통을 시키는 유통사의 규모에 따라 흥행의 성패가 갈림은 너무나도 명확하다.
미국의 배급 시스템은 오랜 세월 시장의 흐름에 따라 세계에 한 번에 유통시킬 수 있을 정도의 힘을 가지게 되었다.

유통 혹은 배급사의 성장 과정은 시장의 성숙도에 의해 결정된다. 시장이 커지면 커질수록 유통을 하는 유통 시장 역시 비례하며 커지는 것이다.

그렇다면 여기서 질문, 과연 당시의 한국 애니메이션의 배급시장은 어느 정도의 수준이었는가?

배급시장의 형성이 잘 되어 있다고 한다면 제작사의 제작 여건을 따져보는 것이 다음 수순이다. 시장에서의 작은 타격엔 흔들리지 않을 만한 제작사가 존재하고 있었는가?
여기에서 다시 질문이 막힌다면 이제 상품의 질에 도달하게 된다.
상품은 잘 만들어 지고 있는가?

애니메이션으로 따진다면 기획자체가 시장에 맞게 기획되고 있는가? 가 될 것이다. 이것은 작품을 기획할 때 어떤 시장을 바라보며 기획이 되고 있는가? 를 따져 볼 부분이다.

예를 들어 이제 시장에 진출할 상품을 만들려는 사람에게 <당신은 어떤 이들을 대상으로 상품을 만들고 있습니까?> 라고 물었을 때, 무턱대고 <전 세계를 대상으로요.> 라고 대답한다면 얼마나 어처구니없겠는가. 어떠한 상품이든 시장에서의 큰 실패를 면하기 위해선 접근하기 가장 쉬운 시장을 바탕으로 표본 조사를 하고 여러 가지 상품을 시장에 내놓아야 한다. 그중에 더 큰 시장으로 갈 가능성이 보이는 상품을 큰 시장에 내놓기 마련이다.

이것이 내수시장을 통한 확인 작업이다.

그렇다면 두 번째 질문, 그 당시의 지원 정책들은 얼마나 내수시장에 대한 분석을 하고 있었는가?

앞서 이야기 한 것처럼 지원 정책들은 성과를 보이고 있던 내수 시장의 분석에 그다지 관심이 없었다.

산업적 시각에서 이정도의 분석이 있은 후에나 작업자의 예술성과 작업자의 창의성 등이 문제는 없는가? 가 논의 되야 한다.

그런데 이 과정은 모두 생략된 채 실패의 원인은 <스토리 부족> 이라는 다섯 자에 돌린다.

더 간단하게 이야기 하자 자동차 몇 만대의 흥행 수입을 올린 작품은 위에 열거한 여러 요건을 충족시키기 위해 500억 원에서 1000억 원의 제작비를 썼다.

과연 한국의 시장 요건 상 500억 원의 영화를 만드는 것은 산업적으로 얼마나 안전한 선택인가? 

3. 한국이 세계시장을 주도하기 위해선 소자본 콘텐츠 제작을 활성화해야한다

<만화산업육성발전방안>이 발표되고 난 후 10여 년 동안 우리는 잃은 것만 있었던 것일까?
 
 90년대 중반에 애니메이션 산업을 키우겠다고 갑자기 늘린 애니메이션 학과 덕분에 한국에는 아주 독특한 기술자들이 등장할 수 있었다.

한국의 애니메이션 특이한 기술자들이라 하면 여러 분야를 혼자 할 수 있는 기술자들이 생겼다는 것이다. 예를 들면 작화, 편집, 연출, 시나리오 이런 부분을 혼자서 할 수 있는 작업자들이 엄청 많아졌다는 것이다. 이런 부분은 어떤 점이 좋냐하면 부분적인 기술적인 면에서는 전문가들 보다 떨어질 수밖에 없지만 어쨌든 상업애니메이션에 가까운 기술을 아주 소규모의 스튜디오가 만들 수 있다는 얘기다.

이 부분은 세계 어느 나라에도 찾아보기 힘든 풍경이고 이런 부분은 한국의 단편 애니메이션이 기술적으로는 상업애니메이션 같아 보이는데 아주 다양한 형식과 내용을 가진 아주 특별한 특징을 가지게 만들고 있다.  실제로 다른 나라에서는 이런 부분 때문에 한국 단편애니메이션에 대해 아주 큰 관심을 가지고 있다.

소규모 스튜디오가 상업애니메이션을 만들 수 있다는 것은 저예산을 가지고 상업애니메이션을 만들 수 있는 스튜디오가 많다는 것이고 그것은 현재의 ‘내수 시장 없는 한국의 상황’을 봤을 때 아주 큰 장점이다.

그렇다면 산업적인 시각에서 떠오를 수 있는 질문이 있을 것이다.

과연 내수시장이란 필요한 것인가?

먼저 지적 했듯이 한국의 배급 시장은 세계의 배급 시장에 비해 규모가 많이 작은 편이다 그렇기 때문에 산업적으로 봤을 때 해외의 배급망을 빌리지 않고서는 실질적인 수익을 얻기 힘든 상황이다. 그래서 이미 많은 애니메이션 제작사들이 해외 배급망을 타기 위해 노력하고 있는 게 사실이다.

정부의 지원 정책 역시 이런 부분 때문에 글로벌을 외치는 상황이 된다. 해외 배급망을 이용해야 하는 것은 산업적으로 어쩔 수 없는 선택이긴 하지만 문제는 그 방식이 문제이다.

현재 해외 배급망을 타는 방식은 해외 배급망을 타기 위해 맞춤형 프로젝트를 진행하는 것이다.
국내의 기업들이 해외의 구매자들이 탐낼 수 있는 프로젝트를 개발하는 방식인 것이다.
<과연 국내에서 해외의 구매자의 입맛에 맞는 것을 만들 확률이 얼마나 되는가?> 라는 원론적인 문제 말고도 산업적으로도 큰 문제가 생긴다.
 
국내에서 아예 완성된 해외 맞춤형 콘텐츠를 가지고 해외 구매자의 구입을 기대하면 좋겠지만 앞서 말한 대로 국내의 재화에는 한계가 있기 때문에 엄청난 제작비를 들여야 하고 또 그 엄청난 제작비를 들였음에 불구하고 그것을 구입할 구매자가 존재하는지 확인할 수 없기 때문에 완성된 해외 콘텐츠를 개발하는 것은 무리가 생길 수밖에 없다.

그래서 파일럿이나 기획단계의 해외 맞춤형 콘텐츠가 지원이 되고 그것이 해외시장으로 나가게 된다. 그런 방식으로 해외 시장에서 한국의 콘텐츠가 구입이 되고 그것이 해외의 자본으로 제작이 진행되게 된다.

문제는 이 이후에 발생하게 된다.

해외의 구매자들은 국내에서 개발된 해외 맞춤형 콘텐츠들의 가능성을 보고 구매하고 투자하게 되는 방식이라 당연히 구매한 제작자의 재 기획 단계가 들어가게 된다. 국내에서 몇 억이나 되는 만만치 않은 개발비가 투입되는 제작 기획단계가 재 기획 단계에서 거의 처음부터 다시 시작하게 된다.
그렇게 구매한 해외 제작자의 판단에 의해 다시 제작개발이 이루어지고 실질적으로 국내에서 쓴 몇 억의 제작개발비는 해외 구매자의 눈에 띄기 위한 치장의 도구로 소비되어 버린다. 그런 제작 개발단계를 거치고 난 후 해외 제작자는 자국의 메이저 배급매체에 제작 지원금을 요청하게 되고 그것이 통과되어야 실제 제작에 들어가게 된다. 그렇게 완성된 작품이 성공하느냐 실패하느냐는 또 별개의 문제이다.

이 과정에서 무엇 하나 잘못 되면 국내의 기업의 의지와는 관계없이 제작이 무산되거나 제작이 중단되는 것은 다반사이다. 운 좋게 이 과정을 모두 겪어 실 제작에 들어간다 하더라도 최초의 개발자인 국내기업에 돌아오게 되는 수익 배분은 아무래도 엄청나게 불리한 수준밖에 안 된다.

한마디로 해외 배급망을 탄다 하더라도 배급망을 타는 조건이 적극적인 조건이 아니라면 설사 작품이 성공한다 하더라도 산업적으로 수익은 최소한이 될 수밖에 없는 상황이다.

또 그 산업적 수익이 난다 하더라도 그 수익은 내수 시장에 기초하고 있지 않기 때문에 실제 자국 국민들에게 문화로써의 가치를 체감하기도 힘들다.
공공적인 성과는 전혀 일어나지 않고 그 수익을 낸 산업체에게만 이익이라는 얘기다.
한국의 애니메이션 투자 상황이 사기업 중심이라면 큰 문제가 아니겠지만 해외 맞춤형 콘텐츠를 만드는 대부분의 업체가 공공재를 이용하는 지원제도를 통한 지원을 받고 있는 상황이라면 이야기가 달라진다.

공공재를 이용한 사기업의 이익을 위한 정책이라는 얘기다.

차근차근 다시 짚어 보자면 한국의 제작 여건상 해외 배급을 이용해야만 산업적으로 큰 수익을 얻을 수 있는 상황이고 그 실질적인 수익을 위해선 적극적인 배급계약을 해야 하는 상황이고 적극적인 배급 계약을 하기 위해선 완성되고 검증된 콘텐츠의 개발이 필요한 상황이다.
하지만 검증되었으면서 완성된 콘텐츠를 만들기에는 한국의 재화가 부족한 상황이다.

그래서 필요한 것이 바로 내수시장이다.

해외의 배급시장이 내수시장을 기반으로 완성된 콘텐츠에 관심을 갖도록 만들어야 하는 것이다.

다시 말해 해외 배급 시장이 탐낼 수 있는 완성된 원 소스를 만들어 내는 것이 한국이 세계시장에서 주도적인 역할을 할 수 있는 유일한 방법인 것이다.

내수 시장에서는 여러 가지 완성된 콘텐츠들이 존재 할 것이고 그중 해외 배급시장이 탐낼 수 있는 콘텐츠는 해외 배급을 이용하게 되는 것이고 그렇지 못한 콘텐츠는 내수시장에서 소비될 것이다.
이것이 보통의 정상적인 시장 형성과정이다.

앞서 말했듯이 현재 한국에는 소자본 콘텐츠를 제작할 수 있는 인적자원이 많이 비축되어 있는 상황이다. 그리고 앞서 열거한 것처럼 진정한 산업적 성공을 위해서는 소자본 콘텐츠의 제작을 활성화 해야만 한다.


4. 소자본 콘텐츠 제작 활성화를 위해 선행되어야 할 과제, 시장.


국가가 주도하는 지원 방식으로 시장을 만들어 내는 것은 일반적인 제작 지원 방식보다 무척이나 까다롭고 복잡한 문제이다.
시간도 오래 걸린다.
그래서 애니메이션 산업 지원 정책은 단기적 성과에 기대기 위해 블록버스터 급 해외 맞춤형 콘텐츠 제작에 빠졌는지도 모르겠다.

하지만 실질적인 산업적 이익을 위해선 소자본 콘텐츠 제작을 활성화해야 한다.
그렇다면 해외에서도 사랑 받을 수 있는 소자본 콘텐츠 제작을 활성화할 방안은 무엇일까?

가장 시급한 것은 건강한 산업논리를 가진 내수시장을 개발하는 것이다.

하지만 국가가 시장 형성을 주도한다는 것은 무척이나 위험한 발상이며 그 성공여부도 불투명할 수밖에 없다.
대중의 욕구라고 하는 것을 파악한다는 것은 너무나 어렵기 때문에 자칫하면 국가가 주도하는 시장이 대중에게 외면당해 실패할 가능성이 높기 때문이다.

그래서 건강한 내수시장 개발을 위해 필요한 개념이 바로 다양성이라는 개념이다.

구매자들은 다양한 구매욕을 가지고 있다.
이것은 내수시장의 구매자뿐 아니라 해외 시장의 구매자들도 마찬가지이다.
이런 다양한 구매욕을 채우기 위해선 다양한 상품이 나와야 하고 항상 새로운 것을 원하는 문화산업에서는 더더욱 필요한 개념이 바로 다양성이라는 개념이다.

그리고 이 다양성이라는 개념에 너무나 잘 부합하는 것이 소자본 콘텐츠인 것이다.

다양한 상품을 시장에 내놓고 그 중 가장 잘 맞는 상품이 주류가 되는 것이 바로 자연스러운 시장의 형성 과정이다. 그것을 확인하기 위해 다양성이 포함되어 있는 콘텐츠를 접근이 용이한 시장에 내놓는 과정을 통해 우리가 접하는 시장의 욕구를 파악할 수 있는 것이다.

하지만 지금의 단순한 제작 지원 방식으로는 <다양한 작품을 제작 지원 한다> 라고 하는 것은 불가능 하다. 그래서 그와 함께 병행 혹은 선행되어야 하는 것이 다양한 시장의 개발이다.

다양한 작품이 실질적인 수익을 얻을 수 있는 시장을 만들어 낸다면 소자본 콘텐츠 들은 자연스럽게 제작이 될 것이다.

또 스스로의 자본이 아닌 공공재를 이용한 사업을 하고 있는 지원정책의 경우 공공의 이익을 추구해야 한다.

문화 사업에서의 공공의 이익이라고 하는 것은 자국의 국민이 문화적으로 향유할 수 있는 문화 상품의 폭을 넓히고 기회를 늘리는 것이다.

이 모든 것이 건강한 내수시장 형성의 목표와 부합하는 것이다.

그렇다면 실질적인 건강한 내수시장을 확보하기 위해선 어떤 노력이 필요할까?

크게 네 가지로 구분을 해보자.

첫 번째는 저예산 장편 애니메이션 제작 활성화.

먼저 내수 시장 확보를 위해 가장 기본적이고 원론적인 접근 방식은 극장용 애니메이션의 활성화이다. 지금까지는 극장용 애니메이션 제작 지원 방식이 파일럿이나 개발 지원에 머물러 있었다.
파일럿필름이나 기획 단계가 끝나고 국내의 투자를 받을 수 있을 것이라는 기대는 이미 내수 시장이 붕괴되면서 투자자가 사라진 후 실질적인 결과를 보일 수 없게 되었다. 그래서 많은 프로젝트들이 제작비를 구하기 위해 시간을 지체하거나 제작이 중단되는 경우가 많았다. 그런 문제의식 때문에 논스톱 지원 방식이 생겨나기 시작한 것인데 만약 같은 논스톱 지원 방식이라면 30억 규모의 장편 애니메이션 한편을 지원하기 보다는 6억 규모의 장편 애니메이션을 5편 지원하는 것이 옳다. 실제로 디지털 기술의 발전과 앞서 얘기한 기술적 축적을 가진 인적 자원을 이용하면 충분히 가능한 일이다.
그것이 다양한 구매자들의 욕구를 확인 할 수 있는 가장 현실적인 방법이며 가장 빠른 방법일 것이다.

두 번째는 해외시장 허브 확보.

해외시장은 규모가 큰 시장인 동시에 내수시장보다 더욱 다양한 욕구가 존재하는 시장이다. 그래서 시장의 다양성을 추구할 때 해외시장은 사실 놓치면 안 되는 시장이다.

문제는 해외시장에 접근하는 방법이 내수시장에 접근하는 방법보다 복잡하다는 것이다.
그래서 지금까지 해외시장에 접근해서 실질적인 수익을 얻었던 방식들을 취합하여 해외 시장의 허브를 국내에 만드는 것이 시급하다.
 다양한 해외시장의 허브가 국내에 만들어 져 내수시장에 접근하는 것처럼 다양한 해외시장의 접근이 가능해 진다면 이는 소자본 콘텐츠 제작 활성화에 큰 힘이 되어줄 것이다.
 인터넷을 통해 과거와는 비교도 할 수 없을 정도의 교류가 되고 있는 지금의 환경에서 해외시장의 허브는 시장 다양성을 위해 가장 먼저 이루어져야 하는 부분일지도 모른다.

세 번째는 독립애니메이션 시장 개발.

문화 산업이라고 하는 것은 단순히 산업논리만으로 키울 수 없는 산업분야인 것이 사실이다. 그렇기 때문에 산업논리의 접근 이외에도 그 시대가 갖는 문화성, 예술성을 파악해서 산업에 적용하는 것도 굉장히 중요한 산업정책 중 하나이다.
그런 이유로 독립애니메이션의 시장을 개발하는 것은 주류 산업의 방향성과 또 주류 산업의 자정 작용을 위해 꼭 필요한 필요조건 중 하나이다.

네 번째는 신기술 확보와 기술자의 처우 개선.

애니메이션 산업을 위해 가장 중요한 것은 기술적 진보인데 이를 책임지고 있는 것이 기술자이다.
특히 애니메이션 기술이라고 하는 것은 간단한 설계도만 가지고는 전달이 안 되는 까다로운 분야이기 때문에 좋은 기술을 가진 기술자들이 편안하게 그리고 오래도록 기술을 계속 연마할 수 있도록 만드는 것이 중요하다. 그런 것들이 실질적인 애니메이션 산업의 질을 눈에 보이지 않게 상승시키는 동력이 되는 것이다.

하지만 그동안 우리는 기획자에 비해 기술자의 처우 개선에 대해서는 너무나 무관심 했던 것이 사실이다. 기획자와 기술자는 똑같이 발전해야 좋은 콘텐츠가 생산 될 수 있는 것이고 발전되는 방식을 보았을 때 오히려 시간이 걸리고 보호 받아야 꽃이 필수 있는 분야는 기술적인 분야이다. 이런 것들이 보호되어야 실질적인 신기술을 확보 할 수 있고 이런 것들이 세계적인 경쟁력이 될 것이다.

소자본 콘텐츠와 다양한 시장의 개발을 위한 필요조건인 인적자원과 기술적 진보는 이미 다 갖추어진 상황이다. 이제는 실질적인 산업의 성장을 위해 이 부분에 투자를 아끼지 말아야 한다.


5. 맺음말


다양성이 보장된 건강한 상업 시장을 만들어 낸다면 그 시장은 스스로의 자정 작용과 생산을 반복하며 스스로의 생명력을 가지고 한국의 콘텐츠 문화를 만들어 낼 것이다.
하지만 과거처럼 내수시장에 대한 분석 없이 단순히 해외의 한 두 개의 사례를 쫒아가는 방식은 분명 실패 할 것이다.

어느 날 열매가 한없이 열리는 거대한 나무를 보았다고 하자. 하지만 그 거대한 나무는 그 자체로 존재하지 않는다. 그 옆에는 수많은 작은 나무와 이끼, 이름 모를 풀들이 있기 때문에 존재하는 것이다. 그런 다양성 안에 그런 거대한 나무가 자라날 수 있는 것이고 또 다른 큰 나무가 어디선가 싹틀 수 있는 것이다. 그런 것들이 서로를 살게 만드는 것이다.
그리고 그런 거대한 나무가 없다고 하더라도 다양성이 보장된 그 숲은 여전히 아름다운 자연이다.

어떤 성공한 해외 시장도 한 두 개의 성공 사례만 존재하지는 않는다.

그 주변에는 수많은 실패와 다양하고 작은 성공 사례들이 존재한다.
크고 아름다운 거대한 나무가 탐난다고 콘크리트 바닥에 심어서 될 일이 아닌 것이다.

다양성이 존재하는 시장을 만들어야 한다.

그래야 단순히 투자와 결과를 비교하는 제작 방식 보다 훨씬 안전한 제작 여건이 만들어 질것이다.

90년대 중반 애니메이션 산업이 황금알을 낳는 거위라는 이야기가 정부쪽에서 흘러나오며 이른바 애니메이션 육성정책이 시작되면서 눈먼 돈이 쏟아졌다. 산업 쪽으로 흘러간 이야기는 너무 얘기 많이 해서 둘째 치자. 산업만 키우면 문화 산업에 균형을 해칠 수 있다는 생각에서인지 눈먼 돈은 산업 쪽 뿐 아니라 학교 쪽에도 흘러갔다. 게다가 애니메이션이 앞으로는 돈이 된다니 그 돈 되는 기술자가 되고 싶은 학생들의 욕구도 충만해진 상황이었다. 욕구가 충만해진 학생이 많다는 건 학교로는 등록금을 낼 학생이 많아진다는 거다. 그렇게 90년대 중반에 각 학교에 애니메이션 과라고 하는 게 폭발적으로 생겨나기 시작했다.

자! 애니메이션 과라고 하는 돈 되는 과를 만들어 놨는데 학교입장에서는 난처한 문제가 생겼다. 누가 가르치지?

애니메이션 산업을 그동안 이끌어 왔던 원로 감독들이 아마도 1순위로 거론이 되었겠지만 문제는 당시 원로 감독들의 학력이었다. 보통 동화맨으로 시작해 애니메이션 판에 뛰어든 감독들 중 고등학교를 졸업한 사람을 찾기도 힘든 상황이었다. 아무리 그래도 말이 교수인데 대학물 한번 먹어보지 못한 사람을 교수로 내세울 수는 없는 노릇이었다.

적어도 석사. 학사라면 명문대. 아니면 외국물이라도 먹었어야 해야 되는데.... 그런 사람 중에서 애니메이션에 손가락이라도 잠깐 담군 사람...아니 그냥 애니메이션이 뭔지는 알기만 하면 줄줄이 교수가 되었다. 30대 초중반의 새파란 백수들이 하루아침에 교수가 되었다.

서양화 전공, 기계과 전공, 컴퓨터 공학, 뭐든 좋다.

학생들에게 뭘 가르칠지는 모르겠지만 당장 내일이면 엄마가 <우리 아들 교수 됐네~> 하면서 좋아할 판인데 뭐가 문제인가.

단편 애니메이션을 한편 만들어 보았고 석사 학위가 있다면 아이구~ 교수님이 되는 시절이었다.

이글을 읽는 학생들은 당장 내일 우리학교 전임교수님 이력서를 들춰보자. ㅎ

문제는 시대의 행운아로 평생 밥그릇을 꿰찬 이들이 정신 차리고 정말 학문에 매진했다면 좋았겠지만 아쉽게도 그렇지 못했다.

사실 그것도 이해가 가는게 20대 초반의 귀여운 학생들이 스승의 날이면 <교수님 사랑해요.> <교수님 최고!> 이런 쪽지에 선물에...정신 못 차리지... 또 애니메이션이라고 하는 베일에 완벽하게 가려진 그러면서도 눈먼 돈이 쏟아져 들어오는...게다가 견제하는 세력이나 비판 담론하나 없는 그런 곳에서 썩지 않는다면 그거야 말로 부처지...

그렇다면 정말로 한국 애니메이션과의 교수님들은 만날 놀고먹는 것일까?

그렇지 만은 않다. 한국에서 애니메이션 관련한 행사를 할 때 프로그래머, 기획자, 고문, 등으로 심심치 않게 참여하고 있기 때문이다. 행사를 만들고 기획하고 예산도 따오고 그런 일을 발 벗고 나서서 하는 게 한국의 애니메이션 교수 사회이다.

야~ 교수님 잘하셨어요. 정말 수고 많으세요..짝짝짝 박수 쳐주고 싶지만 아쉽게도 그렇게는 못하겠다.

상식적으로 교수사회라 하는 것은 학계이다.

학계라 함은 학문을 연마하고 담론을 형성하고 산업을 학문적으로 견제하라고 있는 것이다.

그런데 학계에서 행사를... 산업과 관련한 행사를 기획한다. 학계가 학문을 연마하기는커녕 오히려 산업의 권력싸움에 머리를 디밀고 힘겨루기를 하고 있는 판이다.

학문을 연마해야 하지 않을까 싶어 애니메이션을 몰라도 석사, 명문대 학사, 유학파를 모셔다 놨더니 책 한자 더 보고 글한 줄 더 쓰고 연구하기는커녕 뭐하나 해서 권력싸움에 이기려고 힘겨루기만 준비하는 것이다.

이 힘겨루기는 대외적인 상황뿐 아니라 학교 내에서도 마찬가지 이다. 전임교수끼리의 힘겨루기 또 자신을 추종하는 겸임교수 만들기...그리고 진짜 먹고살게 없어서 모이만 주면 움직이는 시간강사 관리하기..

이제는 그들에게는 시장이 없어진 한국의 애니메이션 산업이라고 하는 것은 학교 그 자체다. 그들에게는 이제는 학문이란 단어는 그냥 술 먹다가 하는 농담일 뿐이다.

듣고 본 실제의 예를 들자면 너무 길어질 것 같아 뺀다. (이 후에 짧게 짧게 소개할 예정이다.)

가장 큰 문제는 이 교수사회를 견제할 세력이 존재하지 않는다는 것이다. 감독이 됐든 작가가 됐든 학교에서 녹을 먹지 않으면 생계가 막막하고 교수에게 잘못 보였다간 유일한 투자처인 지원제도에서 밀려날게 분명하기 때문에 누구나 아는 이 끔찍한 진실은 감추어지고 가려져서 이제는 누구도 말릴 수 없게 되었다.

이 글을 읽고 공감하는 학생들은 당장 내일 학교의 전임교수의 수업을 들을 때 자신이 낸 등록금과 교수가 지금 하고 있는 강의의 질을 생각해 보아야 한다. 교수들의 이력서를 한번 들춰봐야 한다. 만약 그것에 불만을 느낀다면 스승의 날에 교수님의 롤링페이퍼에 교수님 사랑해요 가 아닌 이야기를 써야 한다. 수업 때 팔짱을 끼고 노려보자. 그러면 평소 성격도 좋고 착한...술값도 잘 내주는... 나를 귀여워 해주던 교수의 얼굴이 달라 보일 것이다.
혁명이란 그렇게 시작되는 것이다.

애니메이션의 학계에 학문을 닦는 교수님들께는 짧게 한마디만 하마.

똑바로 해라.

예전에 예술가와 기술자라는 글에서 밝혔듯이 한국 애니메이션의 가장 큰 문제는 기술자에 대한 존중이 없다는 것이다. (여기에 기술자에는 연출자도 포함된다.) 그래서 사실 한국에는 한 분야에 깊이 있는 기술을 가진 기술자가 없는 것이 사실이다. (일본만 하더라도 미사일 날라 가는 것만 아주 특출 난 원화맨이 있지 않은가!-이타노 이치로: 이타노 서커스라고 하는 아주 독창적인 연출법을 가지고 있다.) 그렇다고 한국의 기술력이 경쟁력이 없는 건 아니라고 본다. 90년대 중반에 애니메이션 산업을 키우겠다고 갑자기 늘린 애니메이션 학과 덕분에 한국에는 아주 독특한 기술자들이 등장할 수 있었다고 생각한다. (한국 애니메이션 대학의 교육 정책에 대한 비판을 조만간 포스트로 올리려 하고 있다. 지금은 일단 그건 빼놓고...)

한국의 애니메이션 특이한 기술자들이라 하면 여러 분야를 혼자 할 수 있는 기술자들이 생겼다는 것이다. 예를 들면 작화, 편집, 연출, 시나리오 이런 부분을 혼자서 할 수 있는 작업자들이 엄청 많다는 것이다. 이런 부분은 어떤 점이 좋냐하면 부분적인 기술적인 면에서는 전문가들 보다 떨어질 수밖에 없지만 어쨌든 상업애니메이션에 가까운 기술을 아주 소규모의 스튜디오가 만들 수 있다는 얘기다. 이 부분은 세계 어느 나라에도 찾아보기 힘든 풍경이고 이런 부분은 한국의 단편 애니메이션을 기술적으로는 상업애니메이션 같아 보이는데 아주 다양한 형식과 내용을 가진 아주 특별한 특징을 가지게 만들고 있다.  실제로 다른 나라에서는 이런 부분 때문에 한국 단편애니메이션에 대해 아주 큰 관심을 가지고 있다.

소규모 스튜디오가 상업애니메이션을 만들 수 있다는 것은 저예산을 가지고 상업애니메이션을 만들 수 있는 스튜디오가 많다는 것이고 그것은 현재의 ‘시장 없는 한국의 상황’을 봤을 때 아주 큰 장점이다. 하지만 역시 문제는 어쨌든 소규모의 자본이라도 투자 받을 데가 없다는 것이고 지원 제도는 이런 한국만의 경쟁력을 살리지 못하고 미국 방식의 대규모 자본이 필요한 애니메이션 기술 개발이나 제작에 돈을 쏟아 붓고 있다는 것이다. 사실 지금의 지원제도가 벌이는 사업을 보면 거의 1000억 이상의 자본이 있어야만 실제로 실효를 볼 수 있는 방식이고 이것은 솔직히 한국의 시장 상황에 비추어 봤을 때 현실성이 없는 것이다. 아마 지원제도가 지금의 예산을 가지고 한해에 4편 정도의 저예산 장편을 완성 지원을 해준다면 아마 5년 내에 한국 애니메이션 상황은 달라질 것이라고 생각한다. 내수시장도 내수시장이거니와 한국만의 경쟁력 있는 작품을 세계에 팔수 있고 한국 애니메이션만의 특수성도 생겨날 것이라 본다.

일단은 러프 한 의견인데 조만간 새로 좀 정리해서 따로 포스트를 올리겠다.

일단은 개인적인 오해를 풀자면 내가 아주 고집스러운 외골수의 길을 걷는 사람으로 아는 분들이 꽤 많은데..사실은 전혀 아니다. 타협하지 않고 외골수를 걷는 이유는 타협을 한다고 해서 외골수를 걸을때 보다 휠씬 나은 무언가가 보장이 되야 그 사이에서 고민이 생기는 건데 타협한다고 해서 외골수로 걸을때 보다 나은 무언가가 보장이 될 기미가 안보이기 때문에 타협안하는 것임. 

일단 한국 애니메이션 상황은 

시장 없음. 
시장이 없다 보니 자연스럽게 투자자 없음. 

일단 요 두 개가 제일 큰 문제다. 

가장 많이 들어오는 질문은. 한국에서 <초 천재가 초 천재적인 작품을 만들어 내면 해결되는 거 아닌가?> 인데..당연히 그런 사람이 나오면 그 사람의 길은 보장된다. 보장되는 방식은 세가지 정도로 볼수 있을것 같다. 

첫번째는 뉴타입 같은 사람이 투자자도 없는 상황에서 초 사이언인 적인 작품을 만들어도 시장이 없다 보니 인정받을 길이 없기 때문에 한국에서 살아남을 수가 없다. 그런 작품이 나왔는데 흥행이 안될리 없지 않냐고? 시장이 없다니까! 시장이 없는데 어디에서 팔아. 어쨌든 물론 그런 초 사이언적인 작품이라면 국내에 시장이 없어도 해외에서 인정받고 해외 시장으로 진출할 수 있을 것임. 그렇다면 해외시장에서 활동하면 됨. 유능한 외국의 거장이 된다. 한국이 얻을 수 있는 건?- 외국의 유능한 거장이 한국 사람이래..아이 자랑스러워...<-- 이 정도..ㅎㅎ

두번째는 그 초사이언적인 작품이 국내에서 흥행에 성공함. 그나마 한국에서 남아있는 시장이라 할수 있는 곳이 극장이기 때문에 아마 그 작품은 극장판이 되겠지 극장에서 한 500만 들었다고 가정하자. 그 사람은 영화업계에서 계속 작업 할수 있음. 적어도 다음 작업을 할수는 있을 것이다. 끝.
그렇다고 다른 사람에게도 기회가 열릴꺼라는 기대는 하지 말자. 그냥 자신이 뉴타입이 아니고 초 사이언적 작품을 왜 못 만들까 를 원망해야 할것이다. 
초사이언적인 작품이 성공했다고 계왕권 정도 쓰는 사람에게도 기회가 보장되는 산업구조를 가지고 고 있지 않은 것이 한국이다. 그건 애니메이션 뿐 아니라 다른 문화 산업의 상황을 조금만 보면 알수 있음. 

세번째는 그 뉴타입이 단지 초 사이언적인 작품만 만드는 것이 아니라 산업구조를 바꿀수 있는 정도로 명석한 두뇌와 권력 게다가 구준표를 능가하는 외모까지 갖추고 있어 한국의 애니메이션 판을 비옥한 땅으로 바꾼다. 해피 엔딩. 하지만 애니메이션 파시즘이 시작될 확률이 높음.

천재에 관한 의견은 이 정도만...애초에 뉴타입이나 초 사이언적인 작품이 나온다는 건 정말 논외로 분류해야 할 것이니까.  

이제부터는 현실적인 이야기.

일단 시장이 없다는 것에 대해 잘 이해를 못하는 분들을 위한 상황 설명.

여기 저기 애니메이션에 대해 적어놓은 애니메이션에 대한 의견을 보다보면 자주 보이는 의견은.

<왜 한국 감독은 극장판만 하려고 할까 티비애니메이션으로 경험을 축적해서 진짜 잘 만들수 있을때 극장판을 해야 하는게 아닐까?>

일단은 KBS의 편당 애니메이션 단가는 25분 기준 1000만원 정도. 정확히는 950만원이라고 들었음. 솔직히 25분 짜리 애니메이션을 1000만원으로 만든다는 건 거의 불가능.
SBS랑 MBC경우 한 2000만원 까지도 준다는 얘기도 있은데...
이렇게 얘기 하면 어? 난 할수 있을꺼 같은데..라고 생각하는 분들 꽤 많을 텐데..25분 짜리 단편을 1년 동안 만든다 라고 하는 것과 티비 시리즈중 한편을 만든다 하는 것은 전혀 다른 것임. 솔직히 25분 짜리 단편을 시간 제약 없이 만들라고 하면 더 적은 제작비로 만들수 있는 사람 꽤 많을 것임. 하지만 티비 방영 스케줄과 제작해야 할 편수를 생각하보면 턱없이 부족한 예산. 게다가 티비 시리즈의 경우 기획할수 있는 기획안 같은 것도 엄청 제약이 심한데 그런건 다 논외로 쳐도 인건비 자체가 안나오는 상황. 그런데도 불구하고 지금도 여전히 티비시리즈용 애니메이션이 만들어 지고 있음 퀼리티는 플래시애니메이션을 에펙으로 만든 정도의 수준. 시나리오고 연출에 대해 생각하기는 커녕 완성 자체도 인건비가 나올까 말까 간당 간당한 수준의 예산으로 작업하는데 그런 작업을 해서 경험을 축척하라? 쩝....
개인적으로는 아기 공룡 둘리에 기대를 많이 했었는데 작품은 훌륭하다고 생각하지만 티비애니메이션 판을 바꿀수 있을 정도의 아우라를 뿜지는 못하는 것으로 보임.
그래도 아기 공륭 둘리라는 국민적 캐릭터여서 첫방이 이례적으로 시청률이 7.5%가 나왔는데 솔직히 7.5%의 시청률로 내수 티비 애니메이션 시장을 바꾸기에는 역부족이라는 생각임. 게다가 초반에는 그나마 화제를 모았는데 지금은 많이 관심이 떨어진 상황.
참고로 티비애니메이션 황금기였던 90년대 초반에 날아라 슈퍼보드가 시청률 28%까지 나온적이 있다고 함.
둘리의 경우 편당 제작비는 1억이 조금 넘는 정도로 알고 있다. 전체 예산은 30억 규모. 이 예산은 투니버스등 외부 투자자와 둘리나라가 직접 투자해서 제작이 된걸로 알고있다. 위에서도 말했듯이 방영료 만으로는 회복하기 불가능한 예산이다. 물론 둘리야 워낙에 국민 캐릭터인지라 방영료 말고도 회복할수 있는 방법은 많이 있다고 보이지만 개인적으로 티비 시리즈가 아니라 차라리 그 예산으로 극장용을 만들었으면 내수 시장만으로도 제작비를 회수 할수 있었지 않았을까 하는 생각임.
그리고 둘리 라고 하는 건 특별 케이스지 둘리는 국민 캐릭터 인데다가 둘리 나라 정도 자본을 가지고 있는 애니메이션 회사는 없다. 그런데도 이 정도니 생 초짜 작품을 기획해서 이정도 하기는 불가능이라고 봄.
애니메이션 제작자 협회에서 이 문제에 대해 KBS에게 항의를 했었고 제작비를 올리지 않으면 애니메이션 공급 중단하겠다. 라는 식의 파업 비스무리 한 걸 준비했었다. 제작자 협회에서는 어쨌든 국산 애니메이션 종량제가 있기 때문에 이런식의 파업이 효과가 있지 않을까 생각했던 모양인데 KBS는 <그럴려면 그러든가 말든가>식의 입장을 취하는 바람에 공급 중단 투쟁원칙을 급히 수정해서 공급은 계속 하면서 장기 투쟁으로 가겠다. 라고 노선 변경을 했다고 한다. ㅎㅎㅎㅎ 물론 이 문제가 공론화 된적도 없다. 이슈도 되지 않았다. ㅠㅠ 맙소사.

어쨌든 티비 쪽은 이정도...

이번엔 제 3 의 매체. 예를 들자면 인터넷?
온라인쪽으로는 일단 시장이 존재 하지 않는다.
대중적인 인기로 치자면 국민적인 인기를 끌었던 팀은 꽤나 있다. 일단은 애니메이션 화 될수 있는 내러티브를 가지고 있는 팀만 살펴보자 (마시마로등은 제외) 일단은 인지도로 치자면 애니메이션계에서는 최고인 오인용. 국민적인 히트를 쳤음에도 불구하고 애니메이션 시장 진입 실패. 개인적으로 시장이 존재하고 있었다면 그정도의 인지도를 가졌다면 사우스파크 같은 형식으로 케이블 티비 시리즈 물이나 극장용 기획을 할수도 있었을 꺼라 생각하는데 진입에는 실패했다. 여전히 시도 중일지도 모르니 오인용이 실패했다고 말하긴 힘들지만 어쨌든 그정도 인지도를 가지는 데 성공했다면 애니메이션 시장이 있는 판 이었다면 무난하게 시장진입을 했어야 하는데 그렇지 못했다는 이야기다.
솔직히 오인용 정도의 인지도를 갖는 작품을 만드는 것도 하늘에 별따기 인 상황에서 온라인 쪽으로 무턱대고 뛰어 드는건 정말 모험. 온라인에서 페이지 뷰어 수를 높여 광고로 애니메이션을 만들수 있는 제작비가 구해질 것이냐고 큰 의문. 일단은 애니메이션에서 오인용의 예를 들었지만 온라인에서 우리나리 인구수 보다 많은 히트수를 세운 강풀의 순정만화라고 하더라도 파격적인 원고료를 다음에서 투자하는 것은 아니다. 온라인에서 받는 원고료는 실제 강풀의 수입의 극히 일부일 뿐 실제 수입은 오프라인으로 전환이 됬을 때 생기는 것이기 때문에 초 천재적인 작품을 만들어서 순정만화 정도의 히트수를 가진다고 하더라도 온라인 만으로 수익이나 제작비를 바라기는 힘든 상황.
또 유료 다운로드가 있긴 한데 유료 다운로드로 등록된 블록버스터 급 영화들도 다운로드로 벌어들이는 수입은 아주 극소수이기 때문에 온라인만으로 제작비를 투자 받거나 수익을 벌어들이기 힘든 상황이다. 결국은 온라인으로 인기를 끈 후 오프라인으로 진출해야 한다는 건데 그러면 다시 이 글의 처음으로 돌아가서 <오프라인으로 나와 보니 시장이 없어!!!!> 가 된다는 것.

DMB등 신 매체들은 아직 DMB전용 컨텐츠에 대한 예가 없으니 이야기 하기 힘듦. 가장 근접하게 그쪽 시장에 대해 추정할수 있는 근거는 만화쪽에 DMB 전용으로 성인 에로 만화서비스가 돈이 좀 된다고 함. 어느 정도 돈이 되는지는 모르겠는데 DMB용 성인 에로 애니메이션을 만들면 현상유지정도는 할수 있으려나? 라는 생각을 요즘 하고 있음.

마지막으로 극장.
일단은 극장용 장편이 아무래도 어쩌다 한번 나오다 보니 실패의 전형으로 예시화 되면서 극장용 시장이 없는것 처럼 이야기 되는데 다른 쪽 시장은 아예 실패한지도 모를정도로 쥐도 새도 모르게 실패하고 있을뿐이다. 그나마 극장은 아직 살아있는 시장이라고 생각함.
일단은 내수 시장으로써 극장을 찾는 관객...그러니까 소비자가 있는 상황이고 물론 실사 영화가 대부분이지만 애니메이션도 영화야!! 라고 강력하게 주장해서 우기고 들어갈 구멍이라도 있는 편임.
그렇다면 극장용 애니메이션 현황에 대해 간단히 얘기 하면 일단은 천년여우 여우비의 흥행 성적은 약 45만 정도. 계산하기 편하게 50만이라고 치자. 개봉관은 100개 관 정도.
그렇다면 가족용 애니메이션을 만든다는 가정하에 50만 정도의 흥행을 올릴수 있는 시장이 현재 있는 상황이라면 얼마로 만들어야 적정할까?
일단 50만명이 봤다면 극장수익은 7000원 X 50만 하면..
35억원정도...
여기에서 100개관에서 개봉했으니까 상영본 필름 값을 계산하면 보통 장편 영화 필름 원본 복사하는데 1000만원 정도 할꺼다. 대충 그렇게 알고 있다.(확실하게 아시는 분...)
장편영화 필름 프린트 비용은 200만원 정도임.
참고로 디지털 상영하면 상영본 만드는 비용이 줄어드는데 우리나리에 디지털 상영관 마련해 놓은 영화관이 많지 않다.
1000만원 곱하기 100하면 10억. 수익 35억-10억 하면 25억.
200만원 곱하기 100하면 2억. 35억-2억 하면 33억
그러면 극장수입을 5:5로 나누기로 했다면...33억 나누기 2 하면 약 16억. 배급사와 6:4 정도로 나누기로 했다면 대충 10억.
뭐 이것 저것 빠진 계산이 많다 치고 2억원 그냥 빼서 대충 8억이라 하자.
그렇다면 8억원 정도의 제작비로 장편 애니메이션을 만들어서 50만정도를 보게 한다면 제작비가 회수된다는 이야기다.
 그나마 해볼만하다고 생각하지 않는가? 극장쪽이 시장이 살아있다고 하는 이유도 그 때문이다.
 하지만 극장쪽으로 50만 관객이 볼수 있도록 배급을 할수 있는 배급사를 잡는 것도 힘든 일이고 6억을 들여 만든 영화를 100개관을 잡아 개봉한다는 것도 우리나라에서 흔히 없는 일이다. 여우비가 100개관을 잡아 개봉한 것도 제작비가 30억이 넘는 작품이었기 때문에 100개 관을 잡았지 8억 들여 만들어서 100개관을 잡는 다는 건 실사 영화계에서도 거의 없는 예...워낭소리 처럼 뒷심 발휘하여 흥행 폭발하면 가능하다. 참고로 워낭소리는 개봉할때 6~7개관에서 개봉했고 흥행 폭발 후 약 100개관 정도에서 상영하고 있다. 현재까지 흥행 스코어는 30만 정도...
어휴 그러면 어떻게 해야 하는 걸까 8억 들여 만든 후 30억 들여 만든 블록 버스터다 라고 뻥을 친후 배급사를 잡아 개봉해야 하는 걸까? -_-;;;

자주 듣는 말중에 하나 <영화사들이 애니메이션 사업에 관심이 많다는데요..>

관심 없다. 장담 한다. 나도 많이 만나봤다.
이런식이다. <슈렉같은거 만들어 주세요> 끝.
좀더 실제적인 예..
대작 영화를 만드는 영화사인데 이 대작 영화를 원 소스 멀티유즈로 하고 싶어서 티비용 애니메이션으로 동시 제작하고 싶어한다. <캐릭터 상품 이런거 생각하지 말고 저희는 진짜 작품을 원하니까 제대로 한번 기획해주세요.> 기획서 열심히 준비한다 기획서 가지고 가니 하는 말. <저희가 알아보니까 애니메이션 판이 저희 생각 같지 않다고 하네요. 제작을 다시 생각해봐야 겠는데요..> 끝. ㅎㅎㅎ

그렇다면 애니메이션으로 돈을 벌 방법은 없는가?
있다.
알면서도 그 방면에 재주가 없어서 못하고 있다 엉엉.
애니메이션으로 돈 버는 방법은 애니메이션을 안 만들면 된다. ㅎㅎㅎ
이게 뭔 소린고 하니 아직도 애니메이션이라고 하는 텍스트에 걸린 눈먼 돈이 많다는 것이다. 그 눈먼돈이 원하는 애니메이션이라고 하는 단어에 걸린 욕망은 단순하다. 글로벌. 캐릭터. 대박...
이런 욕망을 이용해 거기에 맞는 기획을 한 후 그 기획을 진행하기 위한 돈을 받아낸다.
이 다음이 중요하다 받아낸 후 완성을 안하면 된다. 완성하면 큰일난다. 완성하면 작품을 만드는 능력이 뽀록이 난다. 완성 안 하면 큰일 나는거 아니냐고? 그때는 완성 안한게 아니라 못했다고 하면 된다. <애니메이션 상황이 워낙에 안좋아서...> 라고 하면 대부분 그냥 고개 끄덕인다. 이 부분을 냉정하게 분석할 전문가도 존재하지 않고 이 부분을 집중적으로 파헤져 대중에 알릴 매체도 없다. 기자도 없다. 사기꾼과 작업자를 구분할 장치가 존재하지 않는다.
기사에 심심치 않게 등장하는 000 회사 000 장편 애니메이션 제작중!!! 이라는 기사가 심심치 않게 뜨면서도 정작 완성되어 나오는 애니메이션이 없다는 점을 상기해 보자. ㅎㅎ
물론 너무 욕심을 부려 너무 티나게 하면 감옥에 간다. ㅎㅎㅎㅎ

그러면..미래는 어떻게 될것인가?
상업영화계의 제작자에게 들은 의견을 옮기자면 <지금은 영화 투자 심리 자체가 얼어붙은데다가 애니메이션 산업에 대한 의구심 때문에 투자자가 없지만 몇년 안으로 예전과 같은 애니메이션에 대한 투자 열풍이 분다..>                               
<하지만 국내 감독에게 투자하는 것이 아니라 이미 확인된 외국의 감독이나 외국의 제작사에게 투자할 것이다. > 라고 한다.

그렇다면 여기서 부터는 이런 상황에서의 내 개인적 목표.

목표는 단순하다.

적은 돈으로 2년정도의 제작 기간으로 극장용 장편을 만들어 적정한 수준의 흥행을 한다. 계속...

이 목표를 달성하기 위해선 안정적인 투자를 유치하는 것이 관건이다.
안정적인 투자라고 하는 것은 <1년에 100억을 투자 받는 것>이 아니라 <1년에 2억 씩이라도 10년을 투자 받는다> 이다.
이것이 이루어져야 스텝의 안정적인 임금이 보장이 된다 스텝의 안정적인 임금만 보장이 되면 아이템이 있다는 가정하에 2년에 한번씩 장편애니메이션을 만들어 시장에 내 놓을수 있다.
그러면 10년 동안 5편 정도의 장편 애니메이션을 만들어 내놓을수 있고 이런 노력이 내수시장을 만들어 낼수 있다는 생각이다.
그렇다면 안정적인 투자를 어떻게 이끌어 낼까.
방법은 많다.
룸싸롱을 운영하며 얻은 수익으로 애니메이션 만든다 <---종자돈 없음
부동산에 투자하여 얻은 수익으로 애니메이션 만든다 <---종자돈 없음
사채업을 하여 얻은 수익으로 애니메이션 만든다 <--종자돈 없음
입시미술학원 대박을 친 후 그 수익으로 애니메이션 만든다. <---종자돈 없음

뭐 방법은 많은데 돈이 없다. 외부 투자자에게 투자를 받아야 하는데 우리나라 기업 특성상 10년을 바라보며 투자하는 투자자는 없다. 당장 대박칠 것에 투자하고 싶어하지 꾸준히 조금씩 투자하여 성장하는 것을 보고 싶어 하지 않는다.
그래서 생각하는 것은 우리에게 투자해서 우리로 인해 돈을 벌진 못하지만 우리를 투자해서 얻는 이미지 상승 효과가 실질적인 이익을 낼수 있는 곳. 을 뚫어보려 하고 있다. 이게 구체적으로 무엇인지는 나만의 비밀. ㅎㅎㅎ

어쨌든 뭐 이정도다...굉장히 거칠게 써 놓았고 현실적인 예를 100% 적용해서 썼다고 생각되어 지지는 않지만 대충 분위기는 알수 있지 않을까 하는 마음에서 적었다.
애니메이션을 시작하는 분들에게 조금이라도 도움이 되길..
앞서 적어 놓았지만 실제로 예를 든 수치가 맞지 않을수 있다. 확실히 알고 계시는 분들은 덧글 남겨주시길....